Поп-арт

«Я за искусство, которое не сидит на своей заднице в музее.
Я за искусство, которое вырастает и не подозревает, что оно искусство…
Я за искусство, которое смешано с повседневной чепухой и все же поднимается наверх»
-Рой Лихтенштейн

В конце 1950-х годов в Соединенных Штатах Америки и Западной Европе на свет является довольно неоднозначный стиль в искусстве, в дальнейшем получивший название Поп-арт (popular art). На тот момент в Америке модным считался абстрактный экспрессионизм, который по праву можно назвать родителем поп-арта. По мнению многих, он представлял собой откровенно ничего не значащие многометровые полотна, которые подавались как 

нечто крайне глубокое и символизирующее. Абстракционисты часто даже не придумывали названия своим работам, ограничиваясь нумерацией или первой пришедшей на ум фразой, например «Автомобильный сок №689» Желание выразит свое отношение к такому типу искусства и стало причиной возникновения Поп-арта.

Поп-арт начался с того, что художник брал любой популярный и знакомый всем символ масскульта, будь то фотографии ковбоев, культуристов, упаковки из под чипсов или банки из под супа и переносил их на полотна преподнося как предмет искусства, но с откровенной иронией и сарказмом.

Почти все художники поп-арта делали не одну уникальную картину, а могли штамповать десятками раз. Опираясь на то, что это ирония над массовой культурой, а она тиражируется миллионами.

Поп-арт был принят обществом неоднозначно и неоднократно подвергался критике и порицанию. Известный критик-консерватор Хилтон Крамер из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы»

Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн, Клас Олденбург, Энди Уорхол.

 

Одним из известнейших представителей поп-арт искусства является Энди Уорхол. Выдающийся режиссер, создатель современной рекламы, художник, писатель и настоящий американец. Его перу  принадлежат знаменитые портреты Мэрилин Монро, Элвиса, Мао Цзедуна выполненные в кислотных и кричащих цветах. Он тиражировал сотнями свою картину, где изобразил банку томатного супа «Campbell», и удачно продавал ее среди своих фанатов. Он стилизовал под газетные фото и полицейские протоколы картины автокатастроф, портреты серийных убийц и бандитов. Попал в книгу о гомосексуалистах “Они изменили мир” вместе с Фредди Меркьюри и Элтоном Джоном.

Автором вступления в статью стал другой представитель поп-арта Рой Лихтенштейн, стоимость работ которого доходит почти до ста миллионов долларов (картина «Nurse», 95,4 млн.)

Он перенес листы из комиксов на формат 2 на 3 метра, а то и более. Использовал образы Микки-Мауса и Дональда Дака. Дотошно копировал технику трехцветной машинной печати (рисовал комбинациями точек трех типографских цветов и черного).

Поп-арт привел к появлению дизайна как такового. Породил множество дочерних стилей, таких как оп-арт и гиперреализм. И конечно комиксы, которые получили от поп-арта свежий толчок для развития.

В конце восемнадцатого века в Германии в искусстве выделяется стиль, представители которого демонстрируют субъективный взгляд на объективный мир, и показывают картины, отфильтрованные через их чувственность.Это идейное и художественное направление в культуре получило название Романтизм.

Романтизм характеризуется утверждением самоценности духовно-творческой жизни личности, повышенным вниманием к индивидуальным, неповторимым чертам человека, естественностью, искренностью и раскованностью.

Романтики отвергали рационализм и практицизм. Во главу угла они ставили эмоциональность выражения, вдохновение.

В изобразительном искусстве Романтизм наиболее ярко проявился в живописи и графике, меньше – в архитектуре. В 18 веке излюбленными мотивами художников были горные пейзажи и живописные руины.  Его основные черты – динамичность композиции, объемная пространственность, насыщенный колорит, светотень.

Развитие романтизма в живописи протекало в острой полемике с приверженцами классицизма. Романтики находили работы своих предшественников наполненными излишней холодностью, чрезмерным рационализмом и лишенными «движения жизни». Борьба против застывших классицистских норм длилась долго, почти пол столетия. Первым кому удалось закрепить новое направление стал Теодор Жерико.

К наиболее значимым представителям романтизма относятся такие художники как Франциско Гойя, Карл Брюллов, Жилло, Антуан-Жан Гро, Уильям Тернер и много других.

Святое семейство со св. Иоакимом и Анной перед Господом в его славе или Третье поколение

Портрет Исабель де Лобо-и-Порсель

Одним из первых и наиболее ярких мастеров изобразительного искусства эпохи романтизма является испанский художник и гравер Франциско Хосе де Гойя-и-Лусьентес.

 

Получивший весьма поверхностное образование и претерпевший множество лишений и поражений в начале своего творческого пути, этот художник добился всеобщего признания.

В память о  нем называются космические объекты и выпустилась скандальная серия «Маха обнаженная» – первые в мире почтовые марки в стиле ню. История этих картин настолько занимательная, что обросла легендами и об этих картинах даже сняли фильм.

Естественно, прожив восемьдесят два года, художник многократно менял и свое отношение к искусству, и манеру творчества.

Другим представителем романтизм, удостоенным громкой славы, является русский художник Карл Павлович Брюллов – потомственный художник, ученик своего отца.

Творчество Брюллова стало вершиной позднего русского романтизма, когда чувство гармоничной цельности и красоты мира сменилось ощущением трагизма и конфликтности жизни.

Брюлов. Последний день Помпеи

Авангардизм – это движение художников XX в., которые стремились не просто к коренному обновлению художественной практики. Они решительно рвали с ее устоявшимися принципами и традициями. Для поиска новых и необычных содержаний, средств выражения и форм произведения, да и вообще взаимоотношения художников с жизнью.

В авангардизме отразились отчаяние и растерянность в следствии социальных катастроф. Что и породило поиски новых способов эстетического воздействия на реальную жизнь, приводившую, зачастую, к утопическим идеям.

Авангардисты считают, что искусство, есть волшебное средство для воздействия на социальное устройство общества.

Черты этого направления проявляются в школах и течениях модернизма, интенсивно развивавшегося в начале двадцатого века как в Европе, так и у нас на родине. Это и кубизм, и футуризм, сюрреализм, дадаизм и фовизм, а также абстракционизм с экспрессионизмом.

Основоположником абстракционизма является не кто иной, как В. Кандинский. Именно это имя связывают с зарождением этого направления. В его картинах усилена плоскостность, декоративность, фрагментарное изображение. Свои работы он писал крупными пятнами, ограничивая каждое темным контуром. Он стремился обрести способность свободного выражения чувств, чему мешала обычная привязанность к предмету. Наконец, придя к выводу что линии и цвет образующие различные фигуры, сами по себе рождают эмоции и создают настроение. Исходя из этого, Кандинский поставил перед собой задачу. Духовным взором проникнуть в глубину мироздания. И отказавшись от предметного изображения, разработал три типа абстрактных картин.
• импрессия (рождается от впечатления от «внешней природы»);
• импровизация (выражаются процессы внутреннего характера);
• композиция.

Искусство Кандинского трудно для восприятия. Из его работ наиболее известны эти.

В. Кандинский «Картина XVI. Большие ворота Киева»

«Прогулка» (1903), «Озеро» (1906), «На белом» (1910), «Черное пятно» (1912), «Сумеречное» (1914) и др.

Ещё одним представителем авангардизма является К.С. Малевич (1878-1935). Этот художник много экспериментировал. Создавая близкие к кубизму, но насыщенные интенсивным цветом композиции, в которых предметная форма конструировалась из цилиндрических и конусовидных элементов («На сенокосе»). Практически беспредметными были его опыты в духе футуризма («Станция без остановки»).

К. Малевич, Портрет Матюшина

Казимир Малевич пытался разработать собственную систему абстрактного искусства, основанную на комбинировании на плоскости простейших геометрических фигур, окрашенных в контрастные цвета. Самое известное произведение художника – «Черный квадрат». Эта работа стала своего рода манифестом беспредметного искусства.

Среди ярких представителей литературного авангарда в бывшем Советском Союзе необходимо назвать Велимира Хлебникова, Владимира Маяковского и Даниила Хармса. Этих литераторов отличал от других художников и поэтов особый, экстравагантный способ подачи поэтического и драматического материала. В «Словаре культуры 20 века» Вадим Руднев различает модерн и авангард. Он пишет о том, что модернисты, а это такие писатели, как Джойс, Пруст, Кафка, были способны «запереться в кабинете и писать в стол». В этом смысле модернисты – классические шизофреники и аутисты, люди, надеющиеся на то, что кто-то когда-то их прочтет и оценит.

Автопортрет с семью пальцами

Авангардисты же в этом случае не способны ждать от публики признания своего таланта. Они разрабатывают свою собственную, эксцентричную риторику, действующую непосредственно сейчас и немедля. В этом смысле они значительно “революционнее” модернистов.

Соглашаясь с данным принципом членения искусства на авангардизм и модернизм отметим, что в ряде случаев невозможно строго определить, кто есть кто.

Например, испанский режиссер Люис Бюнюэль соединяет в своем творчестве и в своей жизни как элементы авангарда, так и принципы модерна (и даже – постмодерна). Сальвадор Дали – классический авангардист, но в настоящее время репродукции его картин используют для оформления школьных тетрадей. Это указывает на включение авангарда в массовую и популярную культуру. Авангардными и постмодернистскими называют фильмы А.Тарковского, хотя по философской ориентации Тарковский – типичный модернист.

Академизм

В последние годы в Украине, США, в странах западной Европы и в России заметно возрос интерес к академической живописи XIX века. И к её развитию в XX веке. Академизм, довольно обширное понятие, в котором мы и попытаемся разобраться.

Итак, академизм – это направление в европейской живописи в 17 – 19 веков. Академизм исходит из следования внешним формам классического искусства. «Рассуждение о форме искусства древнего античного мира и Возрождения», – как его характеризовали последователи.

Академизм обуславливал компоновку объектов в художественном образовании. И воплощает традиции античного искусства, а именно идеализированный образ натуры.

Многие художники, насаждали в искусстве пышность, эротику, эклектику, поверхностную развлекательность и внешнюю виртуозность.

Под академизмом зачастую понимают два различных художественных явления. Это академизм второй половины 19 века и академический классицизм конца 18 – начала 19 века.

Александр Кабанель, Уильям Бугро, Жан Энгр во Франции. В Италии – Луиджи Муссини являются характерными представителями европейского академизма.

Для русского академизма первой половины 19 века присущи как многоплановость и помпезность так и высокий метафорический стиль и вообще возвышенная тематика. Были популярны салонные пейзажи, парадные портреты и различные библейские сюжеты.

Причем, работы академистов при всей сюжетной ограниченности тематики картин, отличались своим высоким техническим мастерством.

Во второй половине 19 века, в ходе собственного развития академическая живопись вобрала в себя элементы реалистической и романтической традиций.

В дальнейшем для академической живописи стали характерны историзм, традиционализм и элементы реализма.

Представители: Фёдор Бруни, Александр Иванов, Карл Брюллов. Стоит заметить, что Карл Брюллов, при соблюдении академических канонов в композиции и технике живописи, расширил сюжетные вариации в своём творчестве за пределы канонического академизма.

Современные интерпретации академизма присутствуют в творчестве таких художников как Александр Шилов, Николай Анохин, Илья Глазунов, Сергей Смирнов, Николай Третьяков и Илья Каверзнев.

В наше время само понятие академизм, дополнительно получило ещё одно значение. И стало использоваться для описания работ художников, имеющих систематическое образование в области визуальных искусств и классические навыки создания произведений высокого технического уровня.

Также, термин «академизм» часто относится к описанию построения композиции и техники исполнения, а не к самому сюжету художественного произведения как такового.

Если говорить о направлении в общем, можно сказать, что базой развития академизма являются художественные академии. Они создавались как творческие сообщества мастеров искусства для формирования норм и критериев художественного творчества. Они сохранили и развили высшие традиции, создания профессионального образования.

Здесь можно выделить «Академию вступивших на правильный путь» (Болонья,1585), французскую академию живописи и скульптуры (1648) Что касается российского академизма, это «Академия трёх знатнейших художеств» (1757). В основе их деятельности как раз и лежала строго регламентированная система обучения, ориентированная на достижения античности и Возрождения.

 

 

 

Примитивизм – (от лат. primitivus) — первый, самый ранний в изобразительном искусстве конца 19-20 вв. Это сознательное упрощение художественных средств, обращаясь для этого к формам так называемых примитивов — произведениям первобытного, средневекового, народного искусства, также присущих детскому творчеству.

Творчество Гогена, мастеров «Наби» ярко выражают обращение к примитивизму. Художники стремились обрести чистоту мировосприятия в первозданных пластах жизни, эмоциональную ясность, свойственную искусству конца 19 века.

Ещё одним примером является творчество А. Руссо во Франции,

не получившего профессионального образования, но вовлеченный в общий художественный процесс. Наравне с такими же ваятелями они получили славу «наивных художников», а примитивизм – «наивным искусством» и наоборот… «Наивным художникам», таким как, Р. Вива в Италии, Ф. Мухе в Германии, А. М. Робертсон, прозванная «бабушка Мозес» и Х. Пиппин в США, Н. Пиросманашвили в Грузии,  И. Генералич в Хорватии, и другим присущи своеобразная детскость в интерпретации натуры, сочетание (порой комичное) обобщенности форм и мелкой буквальности в деталях…

Между тем, распространение примитивизма обусловливало стихийно-  анархическое неприятие современной буржуазной культуры рядом художников. Творческий принцип, избавленный от острых противоречий и господствующего духа позитивизма (о позитивизме подробнее читайте в наших статьях). Являющийся, по сути, бегством от действительности к незамутнённым, первозданным пластам жизни. Эстетическое освоение «варварских», «грубых и низменных» художественных культур, стремление обрести их средствами эмоциональную ясн

ость, целостность и спонтанность восприятия противостоящие как натурализму, так и аналитическому реализму и импрессионизму. Эти эксперименты представителей новых течений конца 19- начала 20 вв. зачастую шли в разрезе со всеми традициями европейской художественной культуры, складывавшихся с 16 века…

Примитивизм отнюдь не единый стиль, а крайне разнообразные направления, начиная представителями кубизма, фовизма, дадаизма и парижской школы, кончая различными группировками в России (теоретик примитивизма- А.В. Шевченко).

Есть и украинские современные художники, которые творят в этом стиле, например Мария Примаченко.

Хотелось бы закончить эту статью тем, что нам говорит по этому поводу наша уважаемая Википедия, а говорит она следующее:

-Примитивизм, это стиль живописи, зародившийся в XIX веке и вмещавший в себя обдуманное упрощение картины, делающее её формы примитивными, как творчество ребёнка или рисунки первобытных времен.  По мнению некоторых искусствоведов, понятие наивного искусства не подпадает под определение «примитивизм», так как первое означает живопись непрофессионалов, второе — стилизованную живопись профессионалов.